A veces todos acusamos al cine actual, sobretodo el que viene desde Hollywood, de la poca originalidad en las propuestas que se acaban convirtiendo en películas de consumo rápido y olvido inmediato. No podemos acusar de lo mismo a Andrew Niccol, un director con sólo cuatro películas a sus espaldas que se caracteriza justamente por desmarcarse con muy buenas premisas y por madurar sus trabajos en todos los aspectos, ya que suele ejercer como guionista y productor además de ocuparse de la dirección.

Por otro lado, lo que también es cierto es que la filmografía de Andrew Niccol, a pesar de ser más que interesante, resulta decepcionante por una evidente falta de solidez en el desarrollo de las historias. El Señor de la Guerra se ve perjudicada por el tono cómico incomprensible que envuelve el personaje protagonista y Simone da la sensación que era una idea más adecuada por un corto que para un largo que cae en el absurdo; de modo que nos queda Gattaca como única gran película de “factura Niccol” si no contamos la irrefutable obra maestra que es El Show de Truman, que escribió y produjo, pero cedió la dirección a Peter Weir.

In Time es otra de estas oportunidades perdidas de obra maestra de Andrew Niccol, mucho más interesante por lo que podría haber sido por lo que es: un film herido de muerte en el momento que se convierte en una película de acción palomitera que firmaría el propio Michael Bay. La película nos dibuja un mundo en el que el tiempo es la nueva moneda de cambio. A los 25 años se activa un reloj biológico en una cuenta atrás y la única forma de seguir vivo es trabajar, robar y ahorrar para ganar tiempo. En definitiva, convierte en literal la expresión de “el tiempo es oro” y abre un universo de posibilidades para analizar la naturaleza cruel del capitalismo con la distancia suficiente como para no caer en la crítica superficial. Sin embargo, hay un vacío ideológico suplido por una suerte de adaptación de Robin Hood.

También se desaprovecha la oportunidad de utilizar el cronómetro como punto de interés dramático constante en lugar de relegarlo a elemento accesorio al poco tiempo de empezar; pero sobretodo es una pena que Niccol no se haya atrevido a sumergirse en las secuelas psicológicas de lo que significa dejar de envejecer, en cómo de perturbador puede llegar a ser, por ejemplo, que tu madre, tu esposa y tu hija tengan la misma edad; o en la diferencia demencial que existe

Por esto es más fácil fantasear con lo que podría haber sido In Time si veinte años atrás hubiera caído en manos de David Cronenberg o de Frank Darabont que disfrutar de una película de acción solvente y entretenida, fascinante por algunas ideas y detalles, pero muy mermada por la grave falta de ambición artística.

Inepta. Del todo. Era muy difícil que una adaptación del cuento de la Caperucita Roja saliera mal, incluso planteándola como una historia de amor adolescente, porque precisamente de algo parecido a esto habla el cuento. Más difícil resulta todavía teniendo en cuenta que Amanda Seyfried era (y ES) la actriz perfecta para el papel. No obstante, esta película es  completamente vulgar, deleznable y, hasta cierto punto, insultante. Visto por un lado positivo, también se podría decir que Caperucita Roja tiene la dudosa cualidad que te permite dormir y despertarte en cualquier momento sin perderte nada, y no porque no ocurran cosas, si no porque cada mínimo avance es recordado una vez tras otra, por si acaso hubiera un perchero o un bote de palomitas entre el público al que le costara entender el filme.

La elección de Catherine Hardwicke como directora tan solo responde a la evidente intención de coger el rebufo al éxito de Crepúsculo y, de hecho, ella misma fue la encargada de dirigir la primera parte de la saga de los vampiros de mentirijillas. En este punto creo interesante comentar el perjuicio de este tipo de productos para el cine, ya que se está avivando un fuego realmente nocivo para la industria. No en términos económicos, evidentemente, porque es como carnaza para hienas, pero sí que se está imponiendo un nivel paupérrimo que colateralmente afecta a otras producciones que serían más apetecibles y que no encuentran financiación porque no resultan tan rentables como estos bodrios. Además, se está maleducando al público joven a fuerza de destrozar sin piedad relatos clásicos modificándolos en su forma y mensaje para convertirlos en filmes autistas.

Lo hemos visto en Caperucita Roja y pronto lo veremos en Beastly, que practica la misma castración al cuento de La Bella y la Bestia, cuya versión Disney es una de las mejores películas de animación de la historia y marcó el precedente de ser la primera de su condición en tener el mérito de ser nominada al Oscar a la mejor película.

El cuento original de la Caperucita Roja habla del despertar sexual de una niña/adolescente, no en vano el color de la capa que recibe como regalo es rojo, siempre asociado a la pasión, el sexo y la violencia. El hombre lobo, por otra parte, simboliza lo salvaje, el hombre extraño al acecho de esta niña todavía inocente pero suficientemente mayor como para entrar ya sola en el bosque. El lobo habla con caperucita, que rompe la promesa de no hablar con extraños, la engaña y luego se aprovecha de ella para comérsela, en un significado subyacente que remite a lo sexual. Luego las variaciones del final ya son fruto de la transmisión boca-oreja del cuento. En algunas versiones un cazador (el hombre civilizado) mata al lobo y salva a Caperucita. En otras, más inquietantes, el lobo se come a la muchacha y el cazador lo abre en canal y saca a la chica y a su abuela sanas y salvas. En cualquier caso, la moraleja es la misma: no te entregues a los desconocidos y quédate con el hombre civilizado (es decir, por la época, con el que decidan tus padres).

Ver la película tomándose el cuento un poco en serio, como creo que debería hacerse, es un error porque Hardwicke y los suyos no lo hacen. El precio de atraer a las jovenzuelas sedientas de amor enfermizamente virginal es maquillar la historia con un triángulo amoroso inocuo que, a diferencia de Crepúsculo, jamás da pie ni que sea a una duda mínima de la chica. La caperucita de esta historia, Valerie (Amanda Seyfried), ni siquiera es una niña que descubre su sexualidad y rompe lazos familiares; es un zorrón integral que aguanta con las piernas cerradas porque así lo dice la ideología que cimienta el filme.

Como si no fuera suficiente con esta construcción equívoca del personaje protagonista, la incomodidad de abordar de abordar el tema con cierto atrevimiento (tampoco esperábamos unos Amantes Criminales -François Ozon, 1999-, controvertida adaptación de Hansel y Gretel) lleva al absurdo intento de convertir Caperucita Roja en una versión involuntariamente paródica de Sleepy Hollow, con la trama principal centrada en la lucha de un pueblo contra la amenaza de un hombre lobo que podría ser cualquiera de los habitantes. Incluso la escena final es una especie de escena de salón propia de las novelas detectivescas que sobrepasa con creces los límites del patetismo.

De hecho, hay muchos momentos en los que Caperucita Roja parece su propia versión spoof, sobretodo en los momentos en que supuestamente está homenajeando a otros cuentos clásicos como Los Tres Cerditos, Blancanieves o Las Siete Cabritas y el Lobo; o cuando se cree que está revelando algo de lo que probablemente todo el mundo que no se haya suicidado ya se habrá dado cuenta. No obstante, lo que se lleva la palma es la ligereza con la que se ventilan el momento “que ojos más grandes tienes”, que casualmente coincide con el clímax del cuento, como ejemplo más claro del despropósito de la película.

Lo que han hecho, ni cortos ni perezosos, es convertir un cuento con moraleja conservadora en una versión ultracatólica (y se ha dicho lo mismo de Crepúsculo) de sí mismo, y me parece de risa que intenten disimularlo con una burda caricatura de la Inquisición que, ojo, no es racista ni nada porque hay negros trabajando para ella. No hay otra forma de definir la relación entre Caperucita y su enamorado que en términos de castidad y contención, unos valores obsoletos en este siglo que el cine para jóvenes no debería con tal vehemencia y, mucho menos, anteponerlos a la educación sexual abierta y sana. Si el cine un reflejo de la realidad social que le rodea y viceversa, películas como Caperucita Roja está fuera de contexto, no debería existir, y no hay suficientes planos aéreos de montañas que puedan cambiar esto.

Tráiler en inglés de una nueva versión del cuento de la Caperucita Roja que, por raro que parezca, no dirige Tim Burton, si no Catherine Hardwicke que -¡oh, sorpresa!- dirigió la primera entrega de Crepúsculo.

No en vano esta revisión del cuento presenta a una chica que se debate entre dos amores y un hombre lobo al acecho. Me parece bastante lamentable esta tendencia “crepuscular” de una película que tiene pinta de coger el camino más recto buscando atraer a la muchedumbre adolescente sedienta de romances góticos.

Que Gary Oldman esté en la película es lo único que me da esperanzas de que Caperucita Roja (Red Riding Hood) se guarde algún as en la manga, pero habrá que esperar a primavera para comprobarlo.

Amanda Seyfried sele en pelotas. A partir de ahí, podemos decir que la peli va de una mujer que sospecha que su marido le es infiel y contrata a una prostituta para que lo seduzca y así corroborar su teoría. Como es de esperar (porque sino vaya gracia) le sale el tiro por la culata, con erótico resultado. He mencionado que Amanda Seyfried sale en pelotas?

Lo que me ha llamado la atención es que creo que la historia es tensa, sórdida e inquietante; de las que enganchan. Además el reparto es de lujo, así que es un título para apuntar y tener en cuenta de cara al futuro.

http://www.youtube.com/watch?v=nA0wuCjjbZY

Minuto 1:10: “no te pedí que hicieras esto”. Por lo que decíamos de lo sórdido.

Una de las caras amables de este nuevo curso, pues, es sin duda Jennifer’s Body, la nueva película de Diablo Cody (guionista de Juno). De todos modos, promocionar la peli mencionando Juno no favorece para nada este nuevo producto, ya que no se parecen en nada. Diablo (voy a llamarla así) mantiene su sentido del humor gamberro y sin complejos, una banda sonora de obligada adquisición y la estetica indie de sus personajes; pero para nada se parece esta nueva película a su antecesora.

Esta vez, Diablo coge sus experiencias personales y su visión de la juventud norteamericana, las disfraza de película de serie B y las saca a pasear por las pantallas de todo el mundo. I aunque la historia central sea muy convencional y llana, cada escena rebosa originalidad y atrevimiento, dos cualidades muy caras de ver hoy en día. De hecho, Jennifer’s Body és un film muy metafórico. Critica duramente y con ironía la elevación a los altares de personajes miserables (y de eso, precisamente, en España sabemos un rato), se ríe del comportamiento de los hombres cuando se nos ponen dos pechos por delante y, sobretodo, ataca las siempre tortuosas y difíciles relaciones de amistad entre las chicas de una forma brillante, divertida y, cabe decirlo; alegremente exagerada.

En el aspecto interpretativo he de decir que me he llevado una sorpresa tanto con Megan Fox, como con Amanda Seyfried. A la primera esperaba verla dejar atrás su única imagen de tía buena y bordar un papel a su medida y al servicio de un buen guión. Pero no, está buena y punto. Y con Amanda Seyfried ocurre todo lo contrario, la niña angelical i repelente de Mamma Mía! se adapta cual camaleón al cambio bestial de registro y lo peta con su papel de chica débil y entregada a su dominante amiga, pero que acaba enontrando su fuerza y su personalidad.

Megan Fox, fea como ella sola

De todos modos, Jennifer’s Body tiene un problema, y es que parece que jamás se acaba de tomar en serio a sí misma, y por eso no acaba de erigirse como la gran película que hubiese podido ser.