Justin Timberlake ha firmado para protagonizar Travel with the curve junto a Clint Eastwood y mi futura esposa aunque ella todavía no lo sabe, Amy Adams. Eastwood interpreta a un viejo observador de béisbol con ceguera progresiva que viaja a Atlanta con su hija, Amy Adams, para observar a una futura promesa del deporte. Timberlake interpretará a Johnny Flanagan, un ex jugador que ahora se dedica también a ser observador compañero de Clint Eastwood y posible interés amoroso de Amy Adams.

Travel with the curve supondrá el debut en la dirección de Robert Lorenz, productor entre otras películas de Mystic River del propio Clint Eastwood. El hecho de que Lorenz dirija esta película imagino que es la razón por la que el veterano actor y director haya decidido volver a la interpretación, que había abandonado desde Gran Torino, aunque en su día ya dijo que no descartaba volver a ponerse delante de las cámaras si le ofrecían un papel que le sedujera.

Por su parte, el antes cantante Justin Timberlake está siendo uno de los actores más solicitados de Hollywood desde su participación en La Red Social, que le ha valido para empezar a firmar papeles protagonistas en películas de segunda y que ahora parece que le han catapultado a cosas más serias como esta futura película o, sin ir más lejos, el próximo trabajo de los hermanos Coen, Inside Llewyn Davis, junto a Carey Mulligan y Oscar Isaac.

Ya podemos ver el primer tráiler de J. Edgar, la película con la que DiCaprio podría conseguir su primer Oscar y una de las principales candidatas a la estatuilla de la mano de un habitual en las nominaciones, Clint Eastwood. Además la historia es de las que gustan a la Academia, un biopic de una personalidad destacada de la historia de EEUU convertido en un relato épico para el lucimiento del protagonista.

J. Edgar Hoover, el hombre cuya vida repasa Eastwood, fue nombrado director del FBI en 1924, a los 29 años, por el presidente Calvin Coolidge con el objetivo de sanear la institución y liberarla de la corrupción. J. Edgar sobrevivióen el cargo a siete presidentes a pesar de que algunos quisieron echarle, pero no pudieron competir en poder con el hombre con más información confidencial del mundo. Ocupó el cargo hasta el día de su muerte en el año 1972.

Acompañan a DiCaprio un elenco formado por Naomi Watts, Judi Dench, Josh Lucas y Armie Hammer. Casi nada.

Matthew Vaughn no quiere abandonar el mundo de los superhéroes después de Kick-Ass y X-Men: First Class y ya tiene en mente otro proyecto gordo en el que alguna major ya parece estar interesada. Se trata de una historia sobre superhéroes retirados que vuelven a las andadas titulada The Golden Age, título que además brinda homenaje a la era dorada del cómic con las primeras apariciones de Superman y Batman.

Vaughn se ha fijado en el éxito de pelis con olor a caspa protagonizadas por viejas glorias como The Expendables o Red y quiere hacer algo parecido, pero con superhéroes. Y ojo porque el tío va en serio y quiere contar con Clint Eastwood (que en principio se ha retirado de la interpretación), Jack Nicholson y Warren Beatty. “Ahora tienes a estos grandes nombres haciendo papeles secundarios. Yo quiero devolverles el protagonismo y dejar que se diviertan un rato”, dice Vaughn.

También ha mencionado que escribirá y producirá el proyecto junto a su compañer¡ao de fatigas, Jane Goldman, aunque no descarta incorporar a otro guionista. Lo que parece definitivo es que, de llevarse a cabo, no será él quien dirija esta The Golden Age.

Ambición y entusiasmo no le faltan, ahora a ver si contagia a los estudios y consigue este reparto deseado que, las cosas como son, sería cojonudo.

Vía Deadline.

Aguas estancadas

“Este es el lugar donde enterramos nuestros pecados y lavamos nuestra conciencia” – Jimmy (Sean Penn) -

Mystic River es una de las obras cumbre de Clint Eastwood como director consolidado y en plena madurez artística alcanzada tras cerrar su ciclo de westerns de forma magistral con Sin Perdón (1992) y tras explorar otros géneros con resultados verdaderamente encomiables sobretodo con títulos como Un Mundo Perfecto (1993), Los Puentes de Madison (1995) o Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997).

No obstante es con la ya citada Mystic River (2003), cuando el tito Clint da un salto de calidad con un thriller crepuscular y atmosférico en el que explota todas las cualidades que le acreditan como el último cineasta clásico.

El director se lleva la novela de Dennis Lehane – en la que se basa la película –  a su terreno y caracteriza el suburbio bostoniano como una aldea del salvaje oeste, donde los inocentes están en peligro y la única ley que existe es la del más fuerte. En el fondo, el nombre de Silent Ray Harris (el niño mudo) emula al típico apodo del oeste, tal como Billy “El Niño”, y Jimmy (Sean Penn) y los hermanos Savage no son más que un vago reflejo de un Jesse James o unos hermanos Dalton imponiendo una paz inquieta en la tierra bañada por la orilla del Mystic.

Pero dispuesto al tablero, vamos al juego. Mystic River se erige sobre dos pilares básicos en la resolución de dos intrigas que, a pesar de suceder en épocas diferentes, se retroalimentan porque involucran a los mismos protagonistas.

El primer nudo lo encontramos a los pocos minutos de metraje, cuando un niño que está jugando con sus amigos, Dave, es obligado a subir al coche de unos supuestos policías que en realidad son unos pedófilos que lo secuestran y abusan de él. En una primera secuencia clave, Clint Eastwood ya arroja una copiosa cantidad de detalles que definirán los personajes y las situaciones venideras.

Visualmente, el tito Clint ya señala a Dave con el dedo de una forma sutil y a través del lenguaje compositivo: Dave siempre está solo, es el tercero en discordia. Los padres que están hablando en el balcón son los de Jimmy y Sean, que son los dos primeros niños en aparecer; cuando juegan Dave es el portero  y cuando aparecen en plano siempre es en formación de 2 + 1. Por ejemplo, cuando se cuela la pelota por la alcantarilla Jimmy y Sean se sientan en la acera y Dave en la calle, o cuando se acerca el falso policía Dave se sitúa más cerca de la cámara y a la izquierda, y sólo comparte plano con los otros dos cuando hay un plano general. Y para más inri, es el único que lleva gorra.

Y luego están los nombres en la acera, grabados para siempre en los cimientos de la calle con un “DA” lleno de significado, describiendo de una forma gráfica y precisa las secuelas del fatídico día en el que el condenado Dave pierde una parte de sí mismo al subir a aquel coche, bajo la atenta mirada de Jimmy y Sean.

Además, en estos minutos iniciales también se nos describen los personajes con unos pocos rasgos fundamentales: Jimmy será un criminal y un líder dominante, Sean será el perrito faldero del primero, Dave (a partir de entonces “Da”) es la víctima y la policía es un ente hostil en un lugar en el que la ley se autorregula por los que siempre han vivido allí y se protegen entre sí.

Tras un fundido a negro damos un salto de varios años y recuperamos a los mismos personajes en el mismo lugar. Jimmy (Sean Penn) es dueño de una tienda del barrio, está casado y tiene 3 hijas; Sean (Kevin Bacon) está separado de su mujer y es agente del FBI, adoptando así una posición distante respecto a su pasado al que, por las circunstancias que se avecinan, tendrá que volver; y Dave (Tim Robbins) parece haber recuperado su vida con una esposa y un hijo.

El agua baja en calma hasta que ocurre un segundo suceso trágico, el segundo nudo vertebrador de la película: la hija mayor de Jimmy es asesinada. La misma noche, Dave llega ensangrentado a casa contando una historia que Clint Eastwood ya procura que nos suene a mentira gracias al montaje previo (con, entre otras cosas, Dave mirando de una forma inquietante a la chica en un bar) y al excelente papel de Marcia Gay Harden, que desde el primer momento desconfía de las palabras de su marido.

Este juego de apariencias impostadas remite de nuevo al secuestro de Dave. Lo primero que nos preguntamos es si se cumplirá lo que parece evidente: que Dave es el cordero convertido en lobo (una metáfora que el mismo personaje utiliza varias veces a lo largo de la película) y se venga de que no fuera Jimmy el que subió a aquel coche aquel día. Las cicatrices causadas por el primer hecho perturbador empiezan a sangrar de nuevo con el asesinato de Katie (Emily Rossum). Es el propio Jimmy, de hecho, el primero en sacar el tema cuando Sean, que lleva el caso, empieza el interrogatorio de rigor.

En este momento de la película aflora el tema que articula todo el discurso, el de cómo las pequeñas decisiones y coincidencias pueden condicionar toda una vida. Jimmy reflexiona que si él hubiera subido a aquel coche, no se hubiera casado con su mujer, no hubiera tenido a Katie y ahora no la habrían asesinado. Llama la atención que Eastwood insista en la supuesta culpabilidad de los chicos por el rapto de Dave, pues ambos eran chavales inocentes y poco podían hacer. Sin embargo esta atmósfera perturbadora con la que el director carga la película desde el primer minuto coge un significado pleno al final del film.

Es catártica la escena en la que Jimmy y Sean se reúnen de nuevo en la calle donde empezó todo, al lado de la baldosa con sus nombres y el “Da” que a estas alturas ya ha quedado en nada porque Jimmy ha matado a Dave por culpable del asesinato de Katie, un falso culpable que es castigado a la vez que los verdaderos asesinos son atrapados y que confiesa su no-crimen en un auténtico acto de autoinmolación. Es en este momento cuando muere la otra mitad de Dave, cuando el “Da” es borrado simbólicamente y cierra el círculo trágico.

En esta escena afloran las verdades que Clint ha ido escondiendo como un mago durante toda la película. Realmente y de forma compleja, las decisiones que ha tomado Jimmy a lo largo de su vida desde que secuestraron a Dave le han llevado a este punto (desde grabar su nombre en la acera, pasando por hacerse bandido y asociarse con el padre del que a la postre asesinaría a su hija) en el que nada ha cambiado: él es un delincuente, Sean es un pelele y Dave, otra vez, la víctima. Volvemos al principio pero con una diferencia: esta vez la muerte de Dave sí que es responsabilidad suya y el asesinato de su hija no ha sido más que un elemento catalizador para viajar al pasado.

Sean: ¿Cuando viste a Dave por última vez, Jimmy?

Jimmy: Hace 25 años subiendo la calle en aquel coche.

Y ahí está el coche, con Dave, calle arriba. Y la culpa, decía, esta vez sí que es suya porque en esta ocasión ellos son los adultos que toman las decisiones, mientras que los niños gamberros que han cometido el error de su vida son Ray Harris el Silencioso y su amigo, que jugando a un juego demasiado peligroso, mataron a la hija de Jimmy.

“A veces creo que subimos los tres en aquel coche, y que todo esto es un sueño. (…) En realidad, aun somos niños de 11 años encerrados en un sótano, imaginando nuestra vida si nos hubiéramos escapado” – Sean (Kevin Bacon) –

Esta reveladora reflexión pone palabras a lo que Clint Eastwood está mostrando en imágenes: a los dos niños un cuarto de siglo después, en el mismo sitio, la misma posición, sin haber cambiado lo más mínimo; como aguas estancadas, atrapados en el pasado por el hecho traumático que condicionaría sus vidas, paralizándolas para siempre o, al menos, hasta cerrar este capítulo de 25 años con la muerte definitiva de Dave.

La irrupción en el último momento de Annabeth (Laura Linney), la mujer de Jimmy, en el banquillo durante toda la película, va en esta dirección. En un monólogo en el que se muestra sensual y dominante, se destapa como una Lady Macbeth en toda regla que le marca el camino a seguir a Jimmy para proteger a su familia y consolidarse como rey del barrio, implacable y ajusticiador por encima de todo y de todos.

Para terminar, querría remarcar una observación que me parece interesante y que he descubierto revisando la película. Una excusa más, si es que no sobran ya, para calificar Mystic River de obra maestra es la madurez que alcanza en el segundo visionado. La primera vez que vemos la película estamos delante de un thriller que nos coloca del lado de Jimmy, con la expectación de conocer la identidad de los asesinos de su hija. En el segundo visionado, en cambio, estamos ante una historia de suspense que sigue el periplo trágico de Dave desde su muerte parcial hasta la completa, dibujado con un trazo más fino y que genera una implicación emocional mucho mayor con el personaje.

En cualquier caso el final es el mismo: los lobos son lobos y los corderos, corderos; la única ley vigente es la de las propias decisiones y el Mystic seguirá siendo el destino último de todos ellos, el agua sanadora que se lleva los pecados (a veces en forma de cadáveres), limpia las conciencias y, a pesar de los puntos de estancamiento, sigue fluyendo imperturbable, como la vida misma.

Mystic River ha sido una petición de Hat para un análisis de la sección Películas Preferentes. Si vosotros también tienéis una película en los altares y quieres que un servidor la comente a fondo, no tenéis más que dejar un comentario con el título e ir siguiendo Butaca Preferente, porque intentaré ir abordando todas las propuestas.

De esta forma, deja de lado otros proyectos por los que había sonado para Oz, The Great and Powerful ocupando el lugar de Robert Downey Jr. (y que ahora parece que apunta a Johnny Depp), y una revisión del clásico de la Blancanieves que prepara la Universal, titulada Snow White and the Huntsman.

No es este el único punto de encuentro entre ambas películas ya que Charlize Theron también ha sonado para entrar a formar parte del reparto de las dos, después de abandonar el biopic de J. Edgar Hoover (el fundador del FBI) que prepara Clint Eastwood, un papel que al final se ha quedado Naomi Watts.

Y ahora viene la pregunta, ¿soy yo o los mismos actores suenan para todos los proyectos? Últimamente sólo hablamos de Matt Damon, Leonardo DiCaprio, Michael Fassbender, Robert Downey Jr. y Tom Hardy; mientras que en el lado de las chicas Naomi Watts, Natalie Portman y Anne Hathaway están en todos los fregaos.

No vamos a descubrir ahora a Clint Eastwood como cineasta. El tito Clint es un director intachable que se ha ganado suficiente crédito como para escoger sus proyectos y desarrollarlos con total libertad creativa porque el resultado será una garantía de elegancia, decoro e impecable factura.

Hereafter, película a la que renuncio a llamar Más allá de la vida, no es ni mucho menos una excepción y tiene momentos de auténtico lujo, como un comienzo poderoso que es una notable oda a la vistosidad y que debería servir de modelo a muchos realizadores de blockbusters.

Lo que ocurre es que, lamentablemente, el tiempo no tiene piedad ni con los grandes y Clint Eastwood tiene unos 80 años que asoman de forma traicionera detrás del tema de la película: experimentar la muerte. No era fácil, pues es un tema delicado mil veces tocado y en el que es difícil no tirar de los clichés, como la representación del más allá que Eastwood podía haber obviado sin problemas y que, sin embargo, se ha empeñado en ilustrar como si de una promo de Los 4400 se tratara. Mal síntoma, como mal síntoma es el sentimentalismo superfluo con el que trata la historia, llenándola de escenas innecesarias (como la del metro) y convirtiendo la película en carnaza de domingo por la tarde pero, esto no lo no nos lo quita nadie, rodada con gusto exquisito.

También es sintomático que el personaje protagonista sea un hombre jubilado disfrazado de Matt Damon, pues no parece que sea esta la intención de Eastwood. El actor sin embargo está genial y es una lástima que la condena de su personaje de convivir con la muerte no se abordada con la profundidad que merece.

De hecho, todo el guión de Peter Morgan es una apuesta arriesgada porque se limita a abrir interrogantes sin cerrarlos, una idea interesante si no fuera porque el discurso no cumple con las expectativas. Eastwood y Morgan construyen la película desde el “dicen” y no desde el “digo”, Hereafter es una historia con posibilidades que queda desdibujada por la coralidad de la trama, cimentada sobre la mitología y las leyendas más redundantes sobre la visión del más allá.

En esta película Clint Eastwood se mueve en limbo de indefinición y deambula por él sin rumbo fijo. En ningún momento se muestra capaz, y ni siquiera con intenciones, de vencer el escepticismo que envuelve el tema de la película y la sensación de que los personajes se mueven en un terreno en el que no podemos entrar y que no podemos entender sin experimentar lo mismo que ellos. Esta vez el excelso director pide demasiada colaboración al público, una exigencia demasiado osada dado que no es una película de autor.

El libro tiene portada de "best seller" sectario y no de relato de liberación espiritual. No mola, Clint.

Hereafter, en definitiva, es la película más floja de las que el tito Clint nos ha regalado estos últimos años, lo que significa que al menos es un film superior a la media y no se puede considerar ni un bache en la filmografía de un hombre de crédito infinito.

Si nos remontamos a los orígenes del cine, con el cinematógrafo de los hermanos Lumière, veremos que el primer cine existente no era más que una evolución tecnológica de una fotografía, que a su vez fue una evolución del cuadro pictórico. La captura del movimiento, de la vida tal y como es, dio películas históricas como Salida de la Fábrica Lumière (1895) o La llegada del tren a la estación (1895), que se ofrecían al público como parte integrante de un espectáculo de variedades.

Los Lumière incluso llegaron a rodar las primeras películas con argumento, principalmente esqueches cómicos como El regador regado, quizá la primera película argumental documentada. El caso es que este cine también fue evolucionando, a algunos atrevidos como Murnau se les ocurrió mover la cámara y jugar con el montaje (os recomiendo una perla del expresionismo alemán titulada El Último -1924- ) y de ahí se fue forjando un tipo de cine que podríamos tildar de realista, con el componente creativo focalizado más en el guión y la experimentación con el lenguaje que en la propia técnica cinematográfica.

Por otro lado también estaba Georges Méliès, un mago (literalmente) que vio en el cinematógrafo un mundo de posibilidades para complementar sus trucos y ampliar su espectáculo. No deja de ser curioso que los hermanos Lumière no quisieran venderle su invento porque no querían que hiciera un uso inapropiado de él, ya que el cinematógrafo no tenía que servir para crear ilusiones.

Méliès, tozudo como él sólo, se fabricó su propio cinematógrafo y empezó a rodar. El cine del mago francés distaba mucho del concepto de cine que los hermanos Lumière tenían en mente, pues la explotación de la técnica y de sus posibilidades era la principal carta que jugaba Méliès, que fue el primero en crear verdaderos sueños para la pantalla, de olvidarse de la naturaleza y construir enormes decorados para contar sus historias como el mítico Viaje a la Luna (1902).

Ahora, más de un siglo más tarde, podemos mirar en perspectiva y ver como el “cine realidad” y el “cine técnico”, aunque evidentemente muy distanciados de aquel cine primitivo, siguen conviviendo y turnándose en las pantallas de todo el mundo. Aunque no tenemos el respaldo de la perspectiva, se puede decir que hoy en día quizá estamos volviendo al cine de Méliès, el de explotación de la técnica, pues estamos en una época en la que el cine de animación se ha convertido en algo más que en cine para niños, en la que los efectos digitales, las superproducciones y el 3D están hasta en la sopa; y en la que James Cameron ha marcado un punto y a parte con Avatar, guste o no.

No obstante, la oferta es tanta que la convivencia de ambos tipos genéricos de cine no es ni tan siquiera difícil. Sam Mendes sigue trabajando, Polanski crea alguna perla de vez en cuando, Clint Eastwood mantiene vivo el cine clásico y los amantes del cine de vanguardia o de la Nouvelle Vague francesa tendrán que mirar hacia oriente y mirar lo que ofrecen Zang Yimou, el recién galardonado en Cannes Apichatpong Weerasethakul o algunos más pasteleros como Wong Kar-wai o Kim Ki-duk.

La conclusión de esta pequeña reflexión y este repaso, muy a grosso modo, de las dos ramas principales del cine es que no hay un tipo de cine bueno y un tipo de cine malo, pues cada director se centrará en unos aspectos y lo importante es que lo haga bien. Creo que ahora queda muy bien decir que Avatar es una mierda, pero me juego el hígado a que dentro de 5 años nadie se acordará de En Tierra Hostil ni de sus ocho Oscars. No siempre la historia es lo más importante, pues el cine-experiencia es una opción muy válida, ya sea a través del despliegue técnico de James Cameron o de la poesía visual de Tarkovski.

Para terminar os dejo con una cita, cuanto menos curiosa, del realizador ruso Dziga Vertov (1895-1954), que decía que “el guión es la invención de una historia que parte de una persona o de un grupo de personas. Es una historia que estas personas quieren hacer vivir a otras. No es que nosotros pensemos que dicho deseo es criminal, pero elevar este tipo de trabajo a la categoría de cine, que suplanten las verdaderas películas por estas cine-historias, que se ahoguen las inmensas y maravillosas posibilidades de la cámara en nombre del culto profesado al dios del drama artístico, es esto lo que no podemos comprender y lo que, queda claro, no aceptamos”.

PERO el tráiler o bien no hace justicia a la película (no sería la primera vez que pasa), o Hereafter va a ser la decepción sonada del año. Miradlo y decid la vuestra porque puede que sea cosa mía, pero yo me he quedado frío, frío, frío al no ver absolutamente nada que me haya gustado ni siquiera un poquitín en esta mezcla de El Incidente, Mothman y 2012.

De todas formas todavía confiamos en el tito Clint, a muerte.

Vía Comming Soon (os recomiendo que pinchéis el link, por cierto, hay sorpresas) nos llega la primera imagen de Hereafter, un drama con aires sobrenaturales que cuenta la experiencia de un grupo de personas que han vivido experiencias cercanas a la muerte. Dirige Clint Eastwood, haciendo doblete con Matt Damon después de Invictus, y el guión lo firma Peter Morgan (El desafío: Frost/Nixon). Acompañan a Damon Bryce Dallas Howard, Cécile de France y Marthe Keller.

Por otro lado, el nombre de Matt Damon también está vinculado a otro proyecto apetecible. Se trata del remake de Valor de Ley (True Grit) que firman los hermanos Coen. Uno de los platos fuertes de la película será ver a Jeff Bridges de nuevo con los Coen, después de la hilarante El Gran Lebowski, en el papel que hace 41 años le valió un Oscar a John Wayne. También repite con los Coen Josh Brolin (No es país para viejos) y destaca el debut de la jovencísima Hailee Stenfield.

Invictus es la película, basada en hechos reales, que cuenta como el coraje de Nelson Mandela y el inquebrantable espíritu de cambio que quería implantar en la nueva Sudáfrica, llevaron al equipo nacional a ganar el Mundial de Rugby de 1995 contra todo pronóstico, haciendo que el país por primera vez se sintiera grande, importante y unido.

Realmente es una historia cautivadora de la que Clint Eastwood no le saca suficiente jugo en la vertiente emotiva, pero sí que le da una épica monumental que no hace otra cosa que fascinar al espectador que se preocupa por recordar que esto ocurrió de verdad. Lo cierto es que, esté más o menos brillante, el tito Clint nunca falla, e Invictus es otra perla cinematográfica agradecida aunque sin la trascendencia que debería tener, puesto que la película ni en apariencia llega a ser tan grande como la historia que cuenta.

De todas formas, veis que son todo pequeñas objeciones subjetivas. La propuesta visual de Clint Eastwood es impecable y pulcra como siempre, el ritmo es bueno, el guión es correcto y fácil…a mi si me ponen una decena así cada año me doy por satisfecho, viendo el nivel habitual.

Lo que sí es de antología en Invictus es la transformación de Morgan Freeman a Nelson Mandela, pues su recreación del personaje trasciende los límites de la interpretación. En el gesto, el andar, la cara, el físico, la voz (es recomendable la versión original)…en todo se vuelve Mandela, bordando un papel que, a falta de ver a Jeff Bridges en Crazy Heart, lo convierte en mi favorito para el Oscar.

De hecho, el film decae cuando Morgan Freeman resta su cuota de pantalla en favor del rugby o cuando es Matt Damon el que tiene que cargar la película a sus espaldas. Damon no parece que acabe de sentirse a gusto con su papel, y aunque cumple razonablemente bien, en la comparación con Freeman sale perdiendo por paliza.

Sea como sea, Invictus vale la pena. Vale la pena el mensaje que transmite, por ver más de cerca la persona que es Nelson Mandela y, sobretodo, porque es una historial real (¡real!) sobre la esperanza, la voluntad, el coraje y el factor humano que llevaron a resucitar a un país a través del deporte.